Actividad 12 segunda parte

The Darjeeling Limited

Viajando en el tren

 

Título en español: viaje a Darjeeling

Direccion:  Wes Anderson

Guión: Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman

Protagonistas: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Waris Ahluwalalia, Amara Karan, Bill Murray

Pais: Estados Unidos

Año: 2007

En un pequeño cuarto de hotel en París, mítica ciudad del romance, un hombre y una mujer se encuentran tras largo tiempo de no verse;  no los une ningún compromiso, pero los enlaza un pasado compartido… una historia de amor que habrá de culminar en aquella habitación.

Excelentes encuadres y un lenguaje cinematográfico peculiar  nos transportan a “Hotel Chevalier” un cortometraje interpretado por Natalie Portman y Jason Schwartzman. Dirigido por Wes Anderson, este material funge como precedente dramático  de un viaje revelador e inesperado protagonizado por Owen Wilson (Francis Whitman), Adrien Brody (Peter Whitman) y Jason Schwartzman (Jack Whitman), tres hermanos norteamericanos que recorren la India siguiendo un itinerario planificado por el mayor de ellos.

Este breve ensayo fílmico es la introducción a The Darjeeling Limited, a través de él conocemos ciertas particularidades en el estilo el director, como sus movimientos de cámara, su estética, su ritmo o su remarcado interés por resaltar ciertos objetos relevantes en la trama (ya sea en el cortometraje o en la misma película) como el equipaje, los lentes, el iPod, los zapatos, el cinturón o las plumas; todos son parte de un estilo narrativo visual propio de Wes Anderson, y comprometido con aquellos espectadores que gusten de una buena historia, que aunque pudiera parecer común, destaca por la belleza y singularidad en su aporte visual  

Desde un punto de vista técnico no podemos dejar de lado la genialidad de los propios encuadres y las secuencias, ya que estos elementos aportan agilidad y revelan la intención, en ocasiones cómica y en otras reflexiva o dramática del director; existen tomas bien logradas en el aspecto descriptivo, que son ralentizadas para dar mayor realce a ciertos aspectos.

Los escenarios luminosos y sumamente coloridos, propios del país en que se filma, son retratados resaltando su belleza, aún cuando la  mayor parte de este largometraje se lleva a cabo en el tren que ha de llevarlos hasta su fin último y que funge como metáfora del caprichoso andar de nuestras vidas: todos estamos en constante movimiento, inmersos en un pequeño vagón, yendo de un lugar a otro, buscando… viajando.

The Darjeeling Limited comienza con la participación especial de Bill Murray en el papel de un viajante incidental con simbólico peso en la historia, quien intenta abordar un tren en movimiento, mismo que persigue Peter Whitman para encontrarse con sus hermanos que lo esperan a bordo. Los Whitman no se han visto desde el funeral de su padre muerto en un accidente; su relación está sumamente falta de confianza y cercanía por lo que Francis Whitman, tras estrellar su motocicleta intencionalmente contra un muro,  recapacita y reflexiona sobre la unidad familiar. Éste último personaje revela a mitad del viaje la verdadera intención de convocarlos: encontrar a su madre quien se ha convertido en monja y se dedica a la vida espiritual.

La búsqueda del afecto y el amor

Tanto el corto como el largometraje tienen un temas y conflictos centrales, la búsqueda y el amor. Francis, Peter y Jack Whitman padecen de diversas carencias; a pesar de no buscar una misma resolución afectiva, culminan encontrándola a través de una experiencia unificada. Este trio de extraños encuentra la unión fraternal, juntos redescubren el amor propio y se reconcilian con las personas de su pasado; todo esto a través de una magnífica escena que comienza cuando nuestros personajes principales toman la resolución de volver a casa abatidos y sin haber llegado a su meta, al ir marchando de regreso a su cotidianeidad se encuentran ante un evento inesperado, salvaguardar la vida tres pequeños que intentan cruzar un agitado río en una precaria balsa. Francis y Jack logran hacerlo, pero Peter falla a pesar de sus intentos y sale de aquel caudaloso rio con un niño muerto en brazos. Mojados y angustiados llevan el cadáver ante el padre de los infantes y es ahí, inmersos en una cultura y circunstancias extrañas para ellos, que encuentran aquello que van buscando: valor, paz interior, unidad y amor.

Otra escena magnifica que condensa tanto la intención dramática del director como su técnica fílmica es aquella en la que abordan el tren por ultima vez: el trio corre a lo largo del andén cargando su pesado y voluptuoso equipaje, la escena nos muestra la evolución de los personajes en la trama quienes llegado el final del viaje conocen por fin su destino, pierden el miedo y llegan a un entendimiento superior de la existencia. En cámara lenta se les ve soltando aquellas maletas  que les acompañaron durante tanto tiempo; regresan a casa a seguir con su vida en la que marchamos todos juntos cual si viajáramos en los vagones de un tren.

Actividad 12 (Primera parte "Trabajo final")

Actividad 12 (Primera parte "Trabajo final")

DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS

(Personaje: KW)

Dirección

Spike Jonze

Producción

Tom Hanks
Gary Goetzman
Maurice Sendak
John B. Carls
Vincent Landay

Guión

Guion:
Spike Jonze
Dave Eggers
Libro:
Maurice Sendak

Música

Karen O
Carter Burwell

Fotografia

Lance Acord

Protagonistas

Max Records como Max

Catherine Keener como Connie, la madre de Max

Pepita Emmerichs como Claire

Mark Ruffalo como el novio de Connie

Steve Mouzakis como Mr. Elliott

James Gandolfini como Carol

Lauren Ambrose como KW

Chris Cooper como Douglas

Forest Whitaker como Ira

Catherine O'Hara como Judith

Paul Dano como Alexander

Michael Berry Jr. como The Bull

 

“Where the wild things are” es una obra literaria infantil creada por el escritor Maurice Sendak en 1963 que sirve de inspiración para la película del mismo nombre dirigida por Spike Jonze en 2009. Este largometraje nos muestra a un niño huraño e inconforme de nombre Max, quien tras pelear con su madre, huye de casa  y llega a una fantástica isla habitada por peculiares monstruos de su imaginación, ligados íntimamente con el mundo que le circunda y que sin él esperarlo le ayudarán a encontrar aquello que no sabe que está buscando.

Uno de éstos extraños y gigantes personajes es KW cuyo papel es sumamente importante en el desarrollo de la historia, es un monstruo de género femenino, un tanto regordeta y peluda, poseedora de una cabellera larga, lacia y enmarañada, nariz ancha, boca enorme, pequeños  pero puntiagudos dientes, patas palmeadas como de ave y un par de ojos grandes, amarillos y sumamente expresivos.

KW es la parte centrada de la historia, es el personaje que prefiere apelar a la razón antes que al instinto y funge como un ente conciliador entre las distintas personalidades. A la llegada de Max a la isla ella es la última en presentarse, pero la primera con quien llega a tener una plática sustancial en cuanto a emociones y experiencias, este evento se da mientras ambos están cobijados por el resto de los monstruos que, apilados uno sobre otro, forman una especie de bunker en el que están seguros y protegidos.  

Mientras en aquella isla es normal para los monstruos comer a pequeños como Max, para KW eso representa una aberración, cosa que empata con su personalidad serena y tranquilizadora siempre en pro de la buena convivencia y la paz; como ejemplo de la forma de actuar de KW ante los problemas resaltan dos escenas:

·         Max sostiene una discusión con Judith (monstruo de carácter negativo) y KW interviene para ayudarlo y aconsejarlo. Posteriormente lo lleva a conocer a Bob y a Terry, dos búhos en quienes ella confía, con la intención de que le ayuden a solucionar sus problemas.

·         KW y Carol (monstruo principal y espejo de las acciones de Max en el mundo real) discuten tras la guerra de terrones y con la intención de saldar su falta ella esta dispuesta a ser pisoteada.

En estos fragmentos de la historia se pone al descubierto gran parte de la personalidad de KW, así como su atropellada relación con Carol a quien quiere de sobremanera, pero cuyo carácter le mantiene alejada del clan. Ambos están en constante pugna pues representan valores opuestos como madurez e inmadurez, tranquilidad y agresividad,  control y descontrol, etcétera. Sin embargo ella siempre regresa para apoyarlo y Carol hace cualquier cosa con tal de mantenerla a su lado.       

La escena mas importante en la que interviene KW involucra también a los personajes principales, pues en un ataque de ira y descontrol Carol intenta comerse a Max , para protegerlo KW lo oculta en su hocico; este acto demuestra cuan controlada de si misma es ella además del cariño que le tiene a Max, de quien curiosamente se despide diciendo: “Te quiero tanto que te comería” situación que hace pensar en el amor, protección y cuidado de una madre para con su hijo.   

Este acto de comer es sumamente simbólico a lo largo de la trama, el ser humano teme ser devorado, por los monstruos cuando se es niño… y por los miedos cuando se es adulto; comer implica autoridad (el grande se come al pequeño), daño y superioridad; sin embargo Max termina por dejar a un lado este significado pues ha madurado, situación que implica controlar la ira y resolver los conflictos sin violencia.

Así como esta acción se simboliza, también existen otras metáforas sumamente importantes en la historia como:

El mar: es esa línea (unas veces turbulenta y otras pacífica) que separa a lo real de la fantasía, al niño del joven, lo racional de lo irracional; esa ancha brecha en cuya orilla uno se sienta a meditar y a reflexionar, tal como lo hacen los personajes de la película.

La isla: un pequeño espacio en medio del mar, al que se puede acudir para escapar de la realidad, un lugar en que convergen todas nuestras personalidades, gustos, disgustos y miedos; un lugar capaz de crear monstruos y hallar soluciones, el subconsciente y la imaginación.

El desierto: metáfora de las etapas de la vida y de la estabilidad; un lugar que comenzó siendo rocas, ahora es arena y luego será polvo… toda la isla será polvo.

Los golpes: son una expresión comunicativa básica; arranques que expresan desde amor hasta frustración.  Ayudan a los personajes a transmitir sus emociones de forma primitiva aunque en ocasiones pierda su claridad.

El aullido: es igualmente un acto comunicativo que en primera instancia refleja unión, dicha, diversión, amistad… y que tras cobrar este significado se transforma en un lenguaje de nostalgia y despedida al momento en que Max deja la isla atrás.

Donde vive los monstruos (título en español) cuenta de forma metafórica la transición hacia la madurez de un pequeño de nombre Max, quien para ello crea una isla fantástica habitada por monstruos de distintas personalidades que están ligados con su mundo y que representan la tristeza, la dependencia, la amistad, la soledad, los miedos y por supuesto la madurez y la   racionalidad que toman cuerpo en KW, elemento sin el cual seria imposible que Max llegara a buen término dentro de la isla o en sus propias meditaciones. Este análisis gira en torno a ella puesto que es el personaje que mantiene a los instintos (Carol) en control, y ayuda a resolver conflictos de la historia.    

Actividad 11: El documental científico

Actividad 11: El documental científico

May Trejo Diana Teresa

Rodríguez Luna Humberto

 

En el documental “Cerebro Superdotado” se encuentran diferentes técnicas de realización;  las narrativas simplifican el lenguaje científico de tal forma que sea comprensible e interesante para el espectador. En primera instancia el narrador  presenta incógnitas en torno al personaje principal, a quien se le atribuyen capacidades increíbles en matemáticas y memoria, estas cuestiones se van dilucidando poco a poco a través de un discurso digerible que acompaña al lenguaje cinematográfico, el cual intenta (principalmente) representar visualmente las imágenes mentales del personaje en cuestión, quien posee una mirada muy distinta de la realidad que le circunda.

Narrativamente también se simplifican las distancias a través de mapas y bitácoras, el discurso visual (números, colores, movimiento) intenta representar fácilmente el mundo de Daniel, y la narración en si misma  intenta reducir la duda y la controversia en cuanto a su verdadera capacidad cerebral.

Por otro lado el personaje principal es sometido a diversas pruebas, desde psicológicas hasta de aprendizaje, en las que podemos notar cierta técnica dramática, pues a través de ellas el documental adquiere suspenso, posicionando al sujeto de estudio en conflicto para llegar a una respuesta más clara o atractiva.

En la cuestión argumentativa, la retorica nos introduce poco a poco en la vida de Daniel, nos lleva a cierto nivel de entendimiento, convenciéndonos a través de pruebas fehacientes (en forma de exámenes matemáticos y psicológicos) de que él posee un cerebro superdotado. El documental trata de generar empatía al darnos un acercamiento a la cognición del genio, recreando lo más acertadamente posible su forma de ver los números y el mundo en general.

Tomando en cuenta lo dicho anteriormente y los niveles de divulgación dados por Rudolf Flesh en 1960, podemos decir que éste documental se encuentra en el nivel uno porque presenta atractivamente los resultados de las distintas pruebas realizadas y comunica al espectador la peculiar forma (casi sobrehumana) de procesar los números, así como la increíble capacidad de memoria que posee el sujeto de su estudio. Incluso concluye aportando una vertiente esperanzadora: quizá todos tenemos muy en el fondo esta asombrosa capacidad, únicamente hace falta despertarla.   

A manera de conclusión cabe destacar la importancia de la imagen en el discurso científico, ya que sin ella seria casi imposible hacer representaciones claras. La limitante de la palabra recae en la dificultad de una descripción precisa y universal, la imagen evita en gran medida este sesgo en las investigaciones ya que aporta una descripción o explicación mas llevadera que, complementada con el lenguaje, hace al discurso científico mas acertado y entendible.    

Sin esta conjunción entre imagen y palabra sería casi imposible conocer o documentar la investigación científica, de ahí la importancia del documental, el cual vino a revolucionar el acercamiento y la divulgación; presto imagen en movimiento, sonido, intención, lenguaje cinematográfico, y por supuesto una narrativa y argumentación distintas, que hacen de la ciencia algo que bien puede ser comprensible y accesible no sólo para la élite, sino para la población en general; es en este punto donde intervine el comunicólogo, experto capacitado en el manejo de la imagen y el lenguaje, que acerca la ciencia a todo aquel que esté interesado en ella, aun cuando como espectador no sea experto en los temas que se tocan.     

 

 

Actividad 9. Remakes: las historias

 

 

Galicia Martínez Jan Carlo

Ibarra Estrada María Dolores

May Trejo Diana Teresa

Rodríguez Luna Humberto

 

 

Género: Drama romance

 

Sinopsis: La historia comienza teniendo por protagonista a un buzón, que es el punto clave de una historia, a través de éste elemento ambos protagonistas (en ambas historias) se comunican y se enamoran a pesar de estar viviendo en momentos diferentes.

 

Escena(s) (duración y justificación):

 

Las escenas seleccionadas son aquellas con las que concluyen ambas películas; en el caso de “Il Mare” esta comienza cuando ella, al mirar el boceto de la casa que el pretendía construirle a la orilla del mar, cae en cuenta del terrible desenlace que le ha hecho pasar al protagonista tiempo atrás y culmina cuando se encuentran junto en el momento en que ella esta por poner la primera carta en el buzón de “Il Mare”.

 

Por otro lado la escena elegida para “La Casa del Lago” inicia cuando Kate cae en cuenta de que aquel hombre a quien intentó reanimar tras ser atropellado el día de San Valentín, es el mismo con quien se ha estado escribiendo, y corre a alertarlo a través del buzón; esta escena termina cuando entran juntos a la casa del lago.  

 

 

Análisis de la estructura dramática y del lenguaje:

 

La rapidez y dureza de las tomas cuando Eun- joo se entera de que la casa fue construida para ella y sale corriendo, expresan esa sensación de desesperación y angustia reflejadas por la protagonista. Cuando tiene los flashbacks, estas tomas se muestran una tras otra con duración de sólo segundos, para transmitir la manera en que en ese instante la mente de Eun- joo comienza a trabajar rápidamente al recordar las piezas clave para actuar a tiempo; su atención no se centra en un solo acontecimiento, sino que en ese momento crítico y decisivo reúne en un abrir y cerrar de ojos los elementos suficientes que le permitan crear una estrategia de salvación.

 

El uso de la cámara lenta cuando ella sale corriendo, muestra nostalgia en la escena como consecuencia de la tragedia y el uso de diálogo como voz en off que acompaña esta toma, es para representar el recuerdo de las conversaciones que la protagonista mantenía con Sung-hyun mediante las cartas.

 

Ambos personajes reflejan una personalidad establecida. El tema de una historia de amor irreal, se manifiesta en un entorno social prácticamente normal, en el que la gente trabaja, vive y se comporta de manera cotidiana, mientras Eun- joo y Sung-hyun viven paralelamente en una aventura que nadie lograría entender.

 

Las expresiones que manifiestan los protagonistas (sobre todo Eun- joo), son sumamente comunicativas, su angustia, desesperación, tristeza y dolor causados por la pérdida un amor tan sólido logran los mismos sentimientos en su audiencia.

 

 

En “La Casa del Lago” esta escena es más condensada, la estructura dramática es sobrepasada por el lenguaje cinematográfico pues a pesar de estar compuesta (al igual que en “Il Mare”) por una serie de flash backs, estos son mas concisos dotando al largometraje con un ritmo un poco mas rápido y mas fácilmente digerible. Esta película  con un final un tanto mas predecible, pues el objeto del afecto de la protagonista, se presenta en el mismo momento en que ella introduce en el buzón la ultima carta que ha de salvarle la vida. La historia concluye con un el cliché del cine romántico hollywoodense: con un beso de amor y con ambos protagonistas reunidos (incluso sobrepasando tiempo y espacio) para entrar abrazados al lugar simbólico de su cariño y que presta nombre a la misma película, es decir a “La Casa del Lago”.

 

En cuanto a la estructura dramática notamos claras diferencias entre los personajes de ambas películas, con características obviamente propias de cada cultura, el manejo de tiempos largos, así como escenas mas limpias y descriptivas lo podemos apreciar en “Il Mare”, y sus personajes concuerdan con esa visión estética, son mas calmados, mas reflexivos, dialogan mucho mas (a través de las cartas) y parecen estar aislados del resto del mundo; mientras que la versión estadounidense es un tanto mas rápida y más cuidada en aspectos técnicos, sus personajes tienen personalidades mas extrovertidas y no se aíslan, por el contrario, elementos como la familia y amigos son piezas importantes el la construcción psicológica de los protagonistas.    

 

Temas

 

En las escenas elegidas se pueden encontrar algunos temas, entre los cuales predominan el amor, la desesperación de perder al ser amado, la incógnita de saber si los acontecimientos siguieron su curso o se lograron rehacer e inestabilidad emocional pues por fin encontró el amor pero descubre que ella misma presenció su muerte. La fusión de estos elementos y en general en la película se trata de entender el amor lo puede todo incluso sobre pasar tiempo y espacio.

 

INTERPRETACIÓN CRÍTICA

 

La acción transcurre en dos épocas paralelas, separadas entre sí por dos años. En uno de esos mundos vive un chico, aspirante a arquitecto, en una casa al lado del mar, en la otra historia dos años más tarde vive una chica, dobladora de dibujos animados, en un edificio. La película empieza con la chica abandonando la casa donde ahora (según), vive (o vivía) el chico, cuando se va deja una carta en el buzón. El chico recibe esa carta, dos años antes. A partir de ahí no dejan de escribirse, sabiendo que están separados por un muro infranqueable como es el tiempo.

Su principal conflicto es la diferencia de espacio y tiempo en el que ambos se encuentran, es una diferencia de 2 años, y les causa conflicto ya que al principio piensan que es una broma de mal gusto, pero poco a poco descubren que el buzón es una puerta que les permite esa conexión a pesar de la distancia y tiempo.

Dado que es una película coreana, se basa en las costumbres y cultura de este país, el mar en corea dado por su ubicación geográfica es un elemento cotidiano para muchos en este país, es por esto que se puede relacionar con la película.

 

Tomando como ejemplo la versión americana, el lago representa, tranquilidad que busca el ser humano.

Indudablemente para el análisis de estos filmes, pueden ser sometidas disciplinas como sociología, psicología, antropología incluso distintas teorías de comunicación y así mismo de lenguaje, ya que todas estas se mezclan con la personalidad y vida de los personajes.

El argumento de la historia es utilizado en ambas películas “Il Mare” y “La Casa del lago”

La ambientación de la historia es un papel fundamental en el argumento de la misma. Los escenarios naturales ayudan al desarrollo de las historias paralelas, también fortalece el lenguaje cinematográfico, hace que la trama se entienda y se explique sin necesidad de tanto dialogo. Sobre el cambio de lugares en cuanto a lago y mar, se entiende que la versión coreana se presentara  más ad-hoc en el mar por el espacio y tiempo en el cual se desarrolla la historia. La casa del lago es una adaptación muy buena ya que acerca un poco más el concepto romántico y urbano para la época en la que fu expuesta la película.

En las películas en algunas partes de la historia, hay varios aspectos a rescatar com0 la fotografía, las imágenes inundan la pantalla de tal forma que el espectador queda fascinado por ellas, aunque no sigas la historia con mucho interés, la fotografía te hace seguir la película hasta el final, solo por ir viendo ese ir y venir de unos paisajes tan bien fotografiados.

Haciendo una análisis de las dos versiones me parece perfecto que hayan respetado escenas que son casi idénticas, y también considera que fue buena idea adaptar una historia más contemporánea en la casa del lago, ya que Il Mare es un poco más lenta, con menos lenguaje cinematográfico, y en la más actual engloban conceptos socioculturales explícitos y familiares que logra hilar muy bien el argumento, con la historia, los personajes, y el contexto.

 

¿por qué consideran que hay escenas que se repiten (casi idénticas) y otras que se alteran radicalmente?

Al ser una adaptación no se puede hacer una copia de manera literal, tanto los directores como los guionistas tratan de darle un enfoque distinto, adaptándolo a las problemáticas que les da su contexto (en este caso el país en el cual se realiza la película).

 

 

 

Actividad 5. Fotografía: documento y arte:

"La esperanza nunca muere"

“Actividad 3: Gestalt”

En la siguiente imagen (Adidas, 2012) se pueden identificar 4 leyes de la Gestalt:

1.- Ley de la proximidad: podemos observar que, a través de la profundidad propia de la fotografía, se genera la sensación de distancia, haciendo notar al corredor como el componente visual más próximo al ojo del espectador, y relegando a segundo plano las gradas tras él, así como al resto de la pista.

2.- Ley de la semejanza e igualdad: Se asocian entre si las extremidades inferiores, a pesar de que cada una de ellas posee características diferentes, esto da la impresión de que todas pertenecen al corredor. Por otro lado, mirando más a detalle la publicidad de esta marca deportiva,  asociamos aquellas piernas que son femeninas y las distinguimos de las masculinas.

4.- Ley de continuidad: Las líneas divisorias de los carriles en la pista parecen continuar sin límite alguno, su carrera no tiene fin.

5.- Ley del movimiento: Esta ley recae, nuevamente, en las extremidades inferiores que se agregan al deportista, pues éstas dan la sensación de un movimiento común, de rapidez y de dirección unificada, son el elemento primordial que da sentido a la publicidad.

7.- Ley de la experiencia previa: Sabemos que es un corredor dada su indumentaria y el lugar en el que está, e interpretamos fácilmente la sensación de movimiento  a pesar de que se utilizan elementos ajenos que jamás veremos en la vida real.